La Capilla del Hombre un lugar para conocer

La Capilla del Hombre

Quito está caracterizada por ser una ciudad amante de la historia, es por eso que el Centro Histórico, además de sus casa coloniales, está rodeado de un sin número de museos. Sin embargo, es poca la información que se tienen acerca de los museos de arte o exposiciones artísticas.

Es por esto que es necesario hablar sobre uno de los lugares, que posee grandes obras de arte. La Capilla del Hombre. Inaugurada el 29 de noviembre de 2002.

Descripción

La Capilla del Hombre es también un símbolo, un monumento al hombre americano. Son 15 mil metros cuadrados de un proyecto concebido durante 12 años,"La capilla del Hombre" que contempla tres plantas que terminan en una cúpula con la forma de cono y corta.

Guayasamín, poseedor de manos insaciables, en cada uno de los espacios diferentes de la capilla, refleja las manos históricas y sujetas simbolizado por murales: "estas manos representan a América antes de la llegada de los españoles: sus Dioses y símbolos, su origen, su arquitectura, su música, bailes, vestidos, animales y plantas".


La Capilla del Hombre, nace con la presencia de numerosas personalidades de todo el mundo. Desde entonces la llama eterna por los Derechos Humanos también es un recuerdo permanente del trascendental y querido pintor ecuatoriano.

"La Capilla del Hombre" es un símbolo de la identidad cultural del Ecuador y América; es espacio de las sociedades víctimas de la guerra y de las torturas de toda especie; es defensa viviente de los Derechos Humanos y testimonio de épocas de dolor y crueldad; es la esperanza de lograr una sociedad justa, libre y solidaria.

Atractivos

• En el interior con formas y colores, se trata de evocar el destino de toda América Latina, desde México a la Patagonia, desde la época precolombina representada por las culturas Maya - Quiché, Azteca, Inca y otras locales hasta nuestros días.

• En dos amplias salas cada tema está expresado en cuadros y murales con elementos que sobresalen de la superficie y otros cavados en la pared.

• El Complejo Cultural estará completo cuando se concluya la Segunda Etapa, la misma que contempla en el subsuelo los Museos de Arte Prehispánico, Arte Colonial, Obras de Guayasamín, Arte Contemporáneo, Salas de Exposición Itinerante, Auditorio, Biblioteca de Arte y Servicios Generales.

AZTRA forjando su camino

AZTRA

Amor bajo el sol es uno de sus éxitos

Sin lugar a duda una de las bandas que está causando conmoción dentro del metal ecuatoriano es AZTRA, fruto de su frontalidad al expresar su posición ideológica por medio de su música.

AZTRA se ha constituido en uno de los pilares fundamentales del metal social ecuatoriano, su planteamiento referente a las injusticias sociales han llevado a que el movimiento rockero encuentre una manera distinta de tomar el referente musical, asimilando su posición y su planteamiento de que su música se ha constituido en un arma para enfrentar a todos los lacayos y opresores de nuestro pueblo y que de esta manera encontremos una salida a todas las crisis sociales existentes.

Tomando como ejemplo el valor indigenista, su carácter de clase social, enorgulleciéndonos cada vez más por haber nacido en esta tierra, seguimos de pie en nuestra patria latinoamericana enfrentando de una manera directa, la destrucción de un sistema de dependencia capitalista y la construcción de una sociedad más digna y justa.

Nuestros planteamientos en todo el ámbito cultural han llevado a no solo mantener la formación de la banda sino la colaboración a grupos culturales como COMITÉ PERMANENTE QUITU RAYMI, ARTE ROJO RADICAL para de esta manera poner en práctica lo expresado en cada una de nuestras letras, haciendo un llamado a fortalecer la conciencia social y a contribuir en el proceso de CONCIENTIZACIÓN en el que nos hemos encaminado.

BIOGRAFIA

Inicios:

La banda nace a finales del año 2001 con una visión clara, conciente y revolucionaria, apuntando al objetivo de transmitir por medio de su música la necesidad de levantar nuestro grito de lucha y protesta por un mundo nuevo y una sociedad más justa para nuestros pueblos.

Aztra forjando su camino:

Luego de varios cambios de alineación y un sin número de presentaciones dentro del Ecuador, la banda va tomando forma en cuanto al género musical que la caracteriza: heavy metal fusionado con instrumentos andinos clásicos del folclore latinoamericano (quena, zampoña, charango, quenacho y otros), algo inusual dentro del rock; complementado así sus líricas combativas y revolucionarias.

Construyendo una Tierra Libre:

Después de haber grabado tres sencillos promociónales y un video clip el cual fue objeto de censura por parte del ministerio de gobierno del Ecuador, surge la propuesta de la productora MAREA NEGRA RECORDS de grabar lo que sería su primer álbum que lleva por nombre “TIERRA LIBRE” el cual consta de 11 temas, incluyendo “Alturas” rindiendo así homenaje al grupo chileno Inti Illimani. A su vez rompiendo la censura con el bonus track del video “Tierra Libre”.

Aztra es invitada por Daniel Parra, Director Ejecutivo del Proyecto Opera Rock llamado “Bajel” en España y de “LA BESTIA PRODUCCIONES”, para que de esta manera Aztra grabe el Prologo y Epilogo, así como también la participación de Pablo Enríquez vocalista de Aztra cumpliendo un personaje en dicha Opera Rock, proyecto en el cual participan músicos de renombre como Cristian Bertoncelli de Renacer ( Argentina), Jaime García de ABYSS, Narci Lara SAUROM LAMDERTH, Dani de FURIA ANIMAL, Sara Parra, Juampa de CRISIS DE FE, Vanesa de ANIMA SOLA, Tony, Daniel Parra, Gustavo Gorosito guitarra ex-Imperio, Hernán teclista de Renacer, Axel Sierra teclista ex-Imperio, Tb el guitarra de Azeroth....

Es así como para la misma fecha la banda sella con la productora española “LA BESTIA PRODUCCIONES” para que esta se convierta en coproductor principalmente para España, junto a MAREA NEGRA RECORDS producción Ejecutiva materializando así la producción de su segundo disco llamado “INSURGENTE”.

INSURGENTE:

Es el segundo disco a cargo de los Aztra, aquí podemos encontrar la propuesta mas frontal ideológica de la banda, líricas directas y concretas en torno a su propuesta social y revolucionaria. Nueve temas que encierran un metal mas crudo y a la vez mas conceptual, en los cuales podemos encontrar un tributo a Víctor Jara cantautor Chileno con su tema “Manifiesto”, un intro con relatos originales de los obreros sobrevivientes en la masacre de Aztra el 18 de octubre de 1977, y la pureza de los instrumentos andinos característicos de la banda. Así como también las participaciones de Mauricio Calle vocalista de la banda cuencana “BAJO SUEÑOS”, y Cristian Bertoncelli vocalista de la banda Argentina “RENACER”.
Para inicios del 2006 la Productora Española SANTO GRIAL decide licenciar el segundo disco de Aztra denominado “INSURGENTE”, reproduciendo un tiraje de dicho disco para España y Europa.

A mediados del 2007 la banda sella con la Productora Mexicana AMERICAN LINE para producir un disco doble en formato Digipack de sus dos primeras producciones, tiraje el cual recorrerá el mercado asiático y europeo.

RAICES es el tercer disco de los Aztra, y a la vez el primero de tres discos que buscan resumir de una manera critica y combativa los procesos sociales he históricos de nuestro país. Raíces consta de 10 temas en los cuales la banda encuentra un sonido mas sólido y agresivo con la incursión de su nuevo vocalista Pablo Enríquez, en esta ocasión la banda se centro en elaborar temas totalmente andinos y fusiones características de la banda para o cual contaron con músicos de renombre como:

Eduardo Cando de CURARE, Paulina Guachamin de DST, José López de AVATHAR.
Felipe Ogaz de Chusig, Lenin Terán de CHANCRO DURO.

PINTURA

         

José Unda, el pintor quiteño quiso ser científico y músico

El olor a pintura es aún fresco en la casa del pintor José Unda, en La Comuna Central en Tumbaco. En una de las paredes blancas del salón está uno de sus últimos cuadros, sin terminar.

Es la continuación de la serie El Laberinto del Tao, que tenía previsto exponerse desde ayer en la Casa de la Cultura Ecuatoriana, a las 19:00. 60 obras hechas desde el 2006 llenan tres salas del espacio cultural ubicado frente al parque El Ejido. Sector en donde precisamente Unda vivió desde 1995. Antes lo hizo en Toronto, Canadá. 10 minutos separan al pintor de Tumbaco. 

Tierra y piedras señalan el camino a su nueva casa en un campo en donde solo se puede escuchar el sonido de los pájaros. Allí, el artista se inspira. Por dos grandes ventanales entra la luz de la mañana con la que inicia su jornada. No tiene sala; en su lugar hay una mesa cuadrada cubierta de vinil celeste. Sobre esta coloca los papeles y también los lienzos. Para él, las imágenes de sus pinturas reflejan la búsqueda de sí mismo. En ellas se proyecta y representa sus ideas e investigaciones. Algún día pensó en ser científico y aunque la pintura es su pasión, no deja de leer libros de científicos reconocidos. Los almacena en una estantería que es parte fundamental de su taller. La música del compositor Heitor Villa-Lobos suena en un Tape Deck 260. 

Unda confiesa que de niño quiso también ser músico pero no tuvo los medios para alcanzar su sueño. No le molesta, pues por medio de sus cuadros dice sentir cómo sus ideas fluyen. “Los artistas somos un poco locos y plasmamos nuestros locos pensamientos a los que les añadimos lucidez”, dice entre risas. No pinta con pinceles. Un caballete casi nuevo está en medio del taller. Tampoco lo utiliza. Prefiere crear en su mesa, regando los colores sobre el papel y el lienzo. Les da forma en armonía con la gravedad. “Me gusta el arte fluido, dinámico. No quiero algo rígido, más bien lo abstracto, lo oriental”. Los estudios sobre el Tao, la biología, la ciencia y la ecología direccionan su arte y proponen el nombre de las Series. Cinco de ellas serán expuestos en la propuesta que estará abierta al público hasta el 31 de julio. Para ellas utilizó técnica mixta y jugó también con texturas hechas con utensilios creados por él. Las espátulas y sus herramientas cuelgan de unas barandas de madera. “No siempre están así de ordenadas”, cuenta frunciendo el ceño que acentúa los años. Junto a ellas están sus otros materiales, acrílicos, óleos, arena, polvo de piedra, gelatina, pegamento... Aprendió a utilizarlos en el 63, cuando estudió Bellas Artes en Quito. Recuerda con cariño a sus maestros, José Guerrero, Oswaldo Viteri, Guillermo Muriel. Ellos le enseñaron parte de lo que sabe, pero Unda cree que un verdadero artista se hace con el tiempo. 

Crear una serie -explica- es como enrolar la punta de un ovillo. “La primera obra es la más difícil de hacer, hay que identificar y sobre todo perseverar”. No le importa estar solo por el momento. 

Su compañía es el paisaje que mira a través de la ventana, los amaneceres y atardeceres. Dice no ser de muchos amigos y aunque se considera citadino vive “recluido como una hermita”. En esta ocasión, las salas Miguel de Santiago, Eduardo Kingman y Oswaldo Guayasamín se llenaron con sus pinturas. A lo largo de su carrera ha realizado 35 exposiciones en Ecuador, Colombia, Perú, Venezuela, Chile, EE.UU., Canadá, España y Alemania. Todavía quedan muchas pinturas en su casa, arrumadas en la esquina de un altillo dentro del salón. Algunas serán expuestas más adelante, en futuros proyectos. Otras recibirán retoques. Eso solo si aún siente una conexión.

Arte Litarario

EL ARTE DE LA LITERATURA

Muchas veces al decir arte lo primero que viene a nuestra mente es el teatro, la danza o la música. Sin embargo, la literatura, sabiendo apreciar, es una gran demostración de arte, de creatividad y talento. Poder transportar al lector a diferentes lugares, situaciones… planteadas en un libro definitivamente es arte.

En el Ecuador han existido y existen destacados escritores, ejemplo de esto es el  grupo de Guayaquil fundado en 1930 por Demetrio Aguilera Malta y Joaquín Gallegos Lara. Este grupo  estaba enfocado en la vida del montubio, el indio y el obrero ecuatoriano. Esto se ve reflejado en obras como: “La Tigra”, “Cruces sobre el agua”, y el libro de cuentos “Los que se van”.

Entre los integrantes de este grupo de realistas se encontraban los siguientes novelistas y escritores: José de la Cuadra, Enrique Gil Gilbert, Joaquín Gallegos Lara, Demetrio Aguilera Malta, Alfredo Pareja Diez Canseco.

Fuente: http://jessicarpioar.blogspot.com/2010/10/el-grupo-de-guayaquil-y-su-compromiso.html

El grupo de Guayaquil no tuvo entre sus integrantes ninguna mujer. Sin embargo, escritoras ecuatorianas han destacado dentro de la historia literaria de nuestro país, es el caso de Dolores Veintemilla de Galindo,  nacida en Quito el 12 de Julio de 1829. Quien en su corta vida fue creadora de inspiradores poemas y trabajos literarios, el poema por el que más se la conoce es “Quejas”. Tras el fracaso de su matrimonio con el doctor colombiano Sixto Galindo, Dolores Veintemilla decide quitarse la vida el 23 de Mayo de 1857, en la ciudad de  Cuenca.

http://lisetteizurieta.blogspot.com/2012/08/vida-y-obra-de-dolores-veintimilla.html

QUEJAS

Este poema resuma la vida de una mujer que sufre al lado de su esposo. Veintemilla intenta en esta obra expresar cómo el enamoramiento puede ser tan engañoso y cómo la vida es pareja puede dar un giro de 180 grados dentro de la convivencia.

¡Y amarle pude!... al sol de la existencia se abría apenas soñadora el alma... Perdió mi pobre corazón su calma desde el fatal instante en que le halle. Sus palabras sonaron en mi oído como música blanda y deliciosa; subió a mi rostro el tinte de la rosa; como la hoja en el árbol vacilé.

Su imagen en el sueño me acosaba siempre halagüeña, siempre enamorada; mil veces sorprendiste, madre amada, en mi boca un suspiro abrasador. Y era él quien lo arrancaba de mi pecho él, la fascinación de mis sentidos; él, ideal de mis sueños más queridos; él, mí primero, mi ferviente amor.

Sin él, para mí, el campo placentero en vez de flores me obsequiaba abrojos sin él eran sombríos a mis ojos del sol los rayos en el mes de abril. Vivía de su vida aprisionada; era el centro de mi alma el amor suyo, era mi aspiración, era mi orgullo... ¿Por qué tan presto me olvidaba el vil?

No es mío ya su amor que a otra prefiere sus caricias son frías como el hielo. Es mentira su fe, finge desvelo... Más no me engañará con su ficción. ¡Y amarle pude delirante, loca! ¡No! mi altivez no sufre su maltrato; y si a olvidar no alcanzas al ingrato ¡te arrancaré del pecho, corazón!

Jaime Guevara

¿Quién es Jaime Guevara? 

Desde hace ya más de veinte años interpreta sus propias canciones en los más diversos ámbitos: sectores estudiantiles, barrios populares, medios laborales, mítines, peñas y teatros del país. Hoy tiene por eso un amplio camino recorrido, y lleva consigo un bagaje de versos, ritmos y experiencias múltiples.

Su contacto inicial con el público lo tuvo cuando en el año 73 unos amigos le animaron a presentar sus primeras composiciones en festivales juveniles de rock, transformándose pronto en un vocero de las inquietudes y anhelos de su generación. Durante la fuerte protesta popular que se produjo en Quito y otras ciudades cuando en 1978 el gobierno militar de entonces elevó el costo del pasaje de bus urbano (protesta conocida como “La guerra de los cuatro reales”). Guevara empezó a cantar en los barrios y en las barricadas. Ese contacto con la realidad y la población de los sectores más desfavorecidos, hizo que su inspiración respondiera creando un repertorio cuya temática principal son los conflictos sociales y el recuerdo de los caídos a manos del autoritarismo.

Iniciada la década siguiente se vincula al movimiento de la nueva canción ecuatoriana. Su aporte principal fue su insistencia en presentar siempre obras propias, con ritmos que van desde el rock a la música folclórica, y el humor corrosivo para caricaturizar con agudeza a los protagonistas del poder y para denunciar las tropelías oficiales, lo que le costó más de una dificultad con los “agentes del orden”. En uno de tales episodios, su guitarra le fue confiscada en calidad de “evidencia del delito” y el cantautor tuvo que desplegar una intensa campaña para recuperarla.

Actualmente las actuaciones de este artista, conocido como “el cantor de contrabando”, suman centenares. Vinculado estrechamente a los familiares de los desaparecidos y los organismos de derechos humanos, prosigue su labor en escenarios muy diversos. Además su trabajo como productgrabado un CD con las canciones de esa producción cinematográfica (“De Contrabando”), una recopilación de temas en directo (“En vivo 1977-1999”) y ha escrito un libro, “Lo que escribí en las paredes”, galardonado en diciembre de 2004 con el Premio José Peralta en periodismo testimonial. Actualmente prepara el lanzamiento de nuevas producciones discográficas y de un cancionero con la letra y música de sus obras.

Entrevista a Carlos Michelena

Carlos Michelena el mejor exponente del Humor Quiteño

"En ningún momento me 

di cuenta que quería hacer reír 

a la gente"

Carlos Michelena nació en Quito, este hombre con el rostro pintado de blanco, se inició hace 34 años en la Escuela de Teatro de la Casa de la Cultura. Fue alumno de Antonio Ordóñez. Con el grupo “Teatro Ensayo” participó en obras como: “Boletín y elegía de las mitas, “Dos viejos pánicos”, “Huasipungo”, “El médico a palos”, entre otras.

Su carrera tomó cuerpo en los grupos “Ollantay”, U.N.E., “Mala Hierba”, “Teatro de la Calle”. Este último consagró su actividad ofrecida directamente al público en espacios abiertos como parques y plazas públicas. La ejecución de su trabajo en la calle ha mejorado su dominio de las artes escénicas. 

‘El Miche’

Su humor se nutre de lo cotidiano y el día a día de las vivencias del pueblo.

Los personajes que representa son típicos del la cotidianeidad ecuatoriana. Las viejas chismosas, el burócrata negligente, la secretaria pesada e indolente, el profesor y el sargento autoritarios, son algunos de los personajes que "El Miche" representa en sus shows callejeros de el parque El Ejido, ubicado en el centro de Quito.

Entrevista

¿Cómo es Carlos Michelena fuera del teatro callejero?

Una persona como el resto, con las preocupaciones que son la vida diaria, el tema de la familia, los hijos, la salud, es decir, normal, con las preocupaciones cotidianas nomás.

¿Por qué quiso hacer reír a la gente?

En ningún momento me di cuenta, la vida me ha ido poniendo en circunstancias de tener que desenvolverme, desarrollar alguna actividad que justifique mi paso por esta vida, entonces, hace treinta y cinco años empecé haciendo teatro en la Casa de la Cultura, en la Escuela de Arte Dramático y después en el teatro ensayo, de eso ha pasado tiempos y, hace veinte años estoy haciendo teatro al aire libre.

¿Por qué hacer teatro callejero?

En la vida hay que ser coherentes, yo he hecho teatro de sala, teatro clásico, sin desmerecer esa línea de expresión, pero, en el momento en que uno es inquilino, que uno tiene una vida sujeta a la voluntad de un dueño de casa, de un jefe, de patrones establecidos; uno busca obras de teatro que reflejen esa realidad, al no existir eso, hemos hecho una práctica conmigo que es la creación colectiva y tratar de emular y retomar lo que eran los juglares, rapsodas, saltimbanquis, que iban narrando sus vivencias, lo que veían en otras poblaciones e iban comunicando de pueblo en pueblo esas experiencias.

¿Cómo planifica sus presentaciones?, ¿Son sólo espontáneas?

Nada sale así al rato, en todo, desde cuando uno hace el amor, no sale al rato, todo es preparatorio. Yo como cualquier profesional tengo que establecerme temas, venir aquí, hacer ejercicios de relajamiento, de concentración, tengo que saber usar el cuerpo; tengo que hacer máscaras, tengo que hacer un vestuario, entonces, hay una preparación, como en todo.

No es que haga chistes, lo que hago es representar críticamente las actitudes humanas, sea la burocracia, los políticos, el abuso de poder, la educación mediocre, todo. Entonces, si yo represento eso y la gente se ríe, de lo que se están riendo es de ellos mismos.

¿Por qué representar un arte contra la política?

El arte cuando es consciente, siempre ha sido crítico y, por su carácter crítico reflexivo, siempre ha sido marginado de toda sociedad. El espíritu de la gente y la calidad humana están descuidados. Aquí la gente no sabe lo que es tener derecho al ocio, un ocio creativo, que alimente la cuestión interior a través de la pintura, la danza, la música, el teatro.

Entonces aquí, cuando la gente no tiene nada que ver, se va directo al robot, que es la televisión o a ver películas en familia y a comer canguil, a estar engordando con Coca- Cola. Entonces el arte apunta a eso, toda la vida el arte se ha dedicado a eso, al lado espiritual, al interior de las personas; si la gente mira el chiste que pena no, pero yo lo que hago es representar lo que he vivido, cuando he estado preso, cuando he sido empleado de la burocracia, cuando me han metido por ahí a una escuela a la fuerza; entonces yo no le veo más allá del chiste que la gente dice, lo que hago es representar la vida cotidiana. 

“fanesca musical cósmica” por Los Swing Original Monks

Los Swing Original Monks y su “fanesca musical cósmica”

Los Swing Original Monks son una agrupación musical que se dio a conocer hace casi 3 años. Si les preguntan de donde son ellos contestan “de todo lao” pues sus integrantes son  jóvenes de Ecuador, Colombia, Europa y Estados Unidos.

Denominan al género que interpretan como una “fanesca cósmica musical”. Para Matías Valdivieso, estudiante de música de la Universidad San Francisco, son de las pocas bandas que en una presentación te despeinan, te miran y te levantan de tu silla.

Teatro México

Los músicos relatan que sus primeras presentaciones las realizaron en huecas, bares y discotecas. Con el pasar de los meses fueron invitados a compartir escenario con artistas nacionales, y a brindar su show en festivales dentro y fuera del país, llegando a participar en el Festival Internacional de Música Tradicional del Pacífico Petronio Álvarez, en Cali-Colombia.   

“Swing Original Monks es una banda que no hace fusión, tampoco confusión, es más bien una banda de infusión. Extraemos la esencia de la música popular en agua hirviendo, la endulzamos con poesía urbana y la servimos con galletitas. Después agarramos un manojo de ritmos modernos, los pican y los fríen en una sartén con condimentos exóticos. Le echan una pizca de sal y ahí sí... el que no salta se quema los pies”, expresan sus integrantes de forma jocosa para referirse a este proyecto musical que tiene como objetivo poner a bailar, sudar y gritar al público con<!--[if !vml]-->
sus melodías que se enfocan tanto en lo electrónico como en lo acústico.

Las letras de sus canciones hablan de distintas temáticas, desde el absurdo paisaje pintoresco de nuestra sociedad, hasta indagar en la reflexión con un poco de sátira.

Estas composiciones se mezclan con un show en vivo, lleno de sorpresas burlescas con disparates teatrales por los gritos y aullidos de los músicos. Ellos califican a su presentación como ‘una celebración de bulla sensual’, que tiene como meta mostrar un festejo grupal con poesía urbana.  

Actualmente el grupo está conformado por: Mr. Bumbass (voz), Juana (voz, percusiones), Ilan (violín, guitarra, charango), Zongo (batería), Álvaro (guitarra), El Germanaba (bajo), Anti-Cilantro (pistas), David Nenger (trombón) y Martín Bustamante (trompeta).

HISTORIA CCE

HISTORIA DE LA CASA DE LA CULTURA ECUATORIANA

Benjamín Carrión

El 9 de agosto de 1944, el Presidente de la República del Ecuador, Doctor José María Velasco Ibarra, promulgó el decreto ejecutivo Nº 707, mediante el cual se crea la Casa de la Cultura Ecuatoriana; Institución orientada a fortalecer el devenir histórico de la patria y cuyo fundamental propósito busca "...dirigir la cultura con espíritu esencialmente nacional, en todos los aspectos posibles a fin de crear y robustecer el pensamiento científico, económico, jurídico y la sensibilidad artística de la colectividad ecuatoriana". (Ibarra. J, 1944) 

La idea partió de la necesidad de devolverle al Ecuador la confianza perdida como consecuencia del quebranto territorial de 1941. De Mariano Picón Salas, Arnold Toynbee y Keiserling tomó Carrión los fundamentos filosóficos sobre cuya base apoyar la creación de la Casa de la Cultura Ecuatoriana.

La Casa de la Cultura Ecuatoriana que lleva el nombre de su creador, Benjamín Carrión, uno de los valores más altos de las letras nacionales, escritor lúcido ensayista y ferviente suscitador de nuestro pensamiento nacional, durante muchos años luchó para reivindicar la dignidad del país y bajo los imperativos de este compromiso asumió el desafío que la ciencia, las letras y el desarrollo artístico cultural del Ecuador, le demandaba.

Benjamín Carrión decía: Si no podemos ser una potencia militar y económica, podemos ser, en cambio, una potencia cultural nutrida de nuestras más ricas tradiciones. Carrión citaba el ejemplo de naciones pequeñas como Grecia e Israel capaces. No obstante, de figurar entre las más civilizadas y cultas de la historia.

La teoría de la nación pequeña, el símil del sauce podado y la fecundidad del insuficiente demostraban que un cuerpo mutilado puede actuar en plenitud de posibilidades físicas y por ende espirituales, merced a fuerzas de compensación por él desarrolladas. La Casa de la Cultura Ecuatoriana concebida como un verdadero hogar de la cultura nacional, haría del Ecuador lo que las armas nunca podrían lograr: la expresión de una fuerza anímica bajo cuyo signo se enaltecerían las artes y las letras.

Fuente: http://www.estaentodo.com/noticias/noticias.php?id=519239&tipo=18

La Casa de la Cultura Ecuatoriana, como idea y servicio, está dedicada a los sectores populares del país. Y sus múltiples locales, bajo la responsabilidad de funcionarios competentes, procuran cumplir al máximo con ese objetivo. (Junta Plenaria, 2009)

Hablamos de los sectores populares no solamente como público y destino, sino también como fuentes auténticas de creación artística. Y pensamos en el pueblo del Ecuador, al ser dueño exclusivo tanto de su pasado, cuanto de su futuro, es el único modelador e inspirador de la cultura nacional. Los programas delineados en función de los objetivos que persigue la institución, buscan el acercamiento popular.

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<!--[endif]--><!--[if !mso]--> <!--[endif]--> Busto de Benjamín Carrión. <!--[if !mso]--> <!--[endif]--><!--[if !mso & !vml]--> <!--[endif]--><!--[if !vml]-->

Como Institución capaz de congregar todas las actividades culturales posibles, la Casa de la Cultura, creación original del Ecuador, ha servido de modelo en muchos países de Hispanoamérica. Cabe muy bien citar la frase del escritor Guillermo de Torre: Nombrar al Ecuador en cualquier lugar de América, es tanto como decir: Casa de la Cultura Ecuatoriana.

Lenguaje espiritual de las piedras

Luis Viracocha y el lenguaje espiritual de las piedras.

Por: Arahí Vega V.

Cuenta una leyenda que el Dios incásico Viracocha, Dios llorón,  estaba triste al ver que sus hijos se encontraban separados por las ambiciones terrenales. Entonces bajó y enseñó a sus descendientes el arte de labrar la piedra y ellos en agradecimiento le construyeron sus templos.

Es medio día. En su taller, que está en el patio de su casa, se encuentra esculpiendo una de sus nuevas obras. Será la luna.

Con un pantalón de tela blanco, cabello largo y negro, barba y pequeño, Luis Viracocha empieza a contar cómo es que descubrió el lenguaje de las piedras.

Luis Viracocha, artista quiteño, esculpe las piedras desde hace medio siglo. Aunque, entre risas comenta que desde el vientre estaba destinado a ser escultor, ya que cuando su madre estaba embarazada sentía las patadas de Luis cada vez que su padre, también artista, picoteaba una piedra.

Tallando las piedras del Guagua Pichincha y de canteras de San Antonio, el padre de Luis fue un escultor geométrico y figurativo. Por otro lado su madre, María Isabel Quishpe, hacia piedras para moler. 

Con una manera confusa pero a la vez mística Viracocha cuenta  que desde hace siete mil años su familia da vida a las piedras, desde que el Dios Viracocha, designó a los miembros de su familia como encargados de cuidar las piedras sagradas. Todos los varones de su familia poseen esta habilidad de tallar  y convertir con sus manos la dura, áspera y fría piedra en obras de arte. Por eso, en honor a los Viracocha, la calle en donde vive, en la Real audiencia, al norte de Quito, tiene como nombre ´Escultores´.  

La primera vez que tomó un martillo fue a los cuatro años, hoy a los 59 no pará de dar forma a las piedras y al mármol.

Al terminar el colegio le dijo a su padre que iba a estudiar artes en la universidad central, su padre le respondió que primero vaya a la “pluversidad”. Luis confundido preguntó, ¿qué era la  “pluversidad”? a lo que su padre respondió: “La búsqueda en los montes, en las cuevas, los ríos y en el mar, las piedras siempre están entre nosotros, ellas nos hablan para que podamos alcanzar su esencia”.

Siguiendo el consejo de su padre, Luis se aventuró por el país y así aprendió a reconocer la textura de cada piedra pero sobre todo su espiritualidad. Desde entonces al igual que su padre considera que la naturaleza es la mejor maestra de la vida.

Marta García, su esposa, cuenta mientras en su rostro se dibuja una semisonrisa, que ya sea en carro, bus o canoa Viracocha recorre el país en busca de “su oro” piedras grandes o pequeñas, cualquiera que sus manos ásperas y arrugadas puedan dar forma. “Las formas al igual que las piedras son infinitas”, dice Viracocha.

En sus creaciones se representa la figura humana y la naturaleza. El artista sostiene que puede revelar el alma de las piedras, descubriéndola a través del tallado que poco a poco va tomando forma de mujer, de luna o de flor.

“Lo mío es destino, lo llevo en la sangre, lo mío es vocación de escultor”. Luis Viracocha Quishpe, sostiene que su destino era el dar vida a la piedra, que la naturaleza le enseñó todo. Sin embargo, con sus obras a recorrido el mundo y a ganado becas en reconocidas escuelas de arte de Roma, París y Atenas.

Viracocha busca llegar al ser, al hombre y a la mujer  mediante lo que él llama  “lenguaje espiritual de las piedras”.

“Pretendo golpear conciencias, ya que cada vez la sociedad está más estereotipada, materializada, ciega por el consumismo y perdida en la tecnología, lo que provoca que se  descuide el arte y la sensibilidad”.

Luis en su taller

 Las primeras creaciones del escultor se caracterizaron por tener un estilo figurativo, luego evolucionó hacia lo abstracto, descubriendo que al tallar las piedras, estas encierran un simbolismo ancestral. Este simbolismo hace de cada piedra una forma única, que traspasa lo inerte y cobra vida al ser tallada.

“Cuando estoy en una exposición, en la noche yo me quedo solo con mis piedras, les pregunto que sienten, converso con ellas”, dice Luis. “Ellas me responden a través de la energía”.

Su última exposición en el Ecuador fue en junio del 2012, para Luis una experiencia que le apena, ya que pocos fueron los visitantes que se dieron cita en la exhibición. Para Joaquín Arévalo, estudiante de arte, Luis es un maestro sin embargo, en el Ecuador no se tiene una cultura artística, lo que provoca que las personas no se interesen  en eventos como este.

El atardecer llega y Luis empieza a limpiar una de sus piedras, mientras la manipula la observa con determinación, la levanta, le da vuelta, intenta encontrar el ángulo perfecto.

“No me molesta que no compren mis creaciones, todo lo que hago  es por amor al arte, sin embargo en países europeos la gente hace grandes filas por ver mi obra, es decepcionante que en mi país sea todo lo contrario”,  con enfado dice  Viracocha.

A pesar de esto Luis está convencido que el arte es amor y convicción. “Mis piedras me reaniman, a veces pienso que yo no les doy vida a ellas, sino que ellas me dan vida  a mí”. 

 

  

Lanzamiento del libro ´Cucaracha Vieja´

´Cucaracha Vieja´ , retrato de tiempo y espacio

Bajo el nombre de ‘Cucaracha vieja’, el escritor guayaquileño Rafael Zanabria bautizó su novela, la cual se presentará el 18 de enero en el Aula Benjamín Carrión de la Casa de la Cultura Ecuatoriana (CCE), a las 19:00.

Para conocer más detalles de este trabajo literario conversamos con el autor, quien abrió su mente y corazón al recordar su infancia y juventud en barrios marginados de Guayaquil.

¿Cuál fue la iniciativa para empezar a escribir esta novela?

Me crié en un barrio bien humilde y pobre de Guayaquil. Y no soy el único, cuando hablamos de superación no es Rafael Zanabria el único que ha luchado contra la pobreza y se ha superado, miles de niños lo hacen así.

¿En su caso qué le permitió superarse y convertirse en escritor y abogado?

Hubo una madre decididamente fuerte, de carácter enérgico y un padre que a buena hora aportó. Pero vemos que en este mundo esto no es muy común. El otro día escuchaba que una señora decía: ‘Cuando el bono era de 12 dólares yo tenía un hijo, ahora que ya subió tengo seis’, pero quién le dio el derecho a esta señora de traer niños en esas condiciones.

¿Este tipo de historias son las que contiene ‘Cucaracha vieja’?

Sí, niños pobres que se enfrentan a un medio durísimo y que para sobrevivir tienen que convertirse en unas cucarachas. Sé que este animal antes de los dinosaurios vivía y aún siguen vivas. Eso significa que tiene una gran capacidad de adaptación, de lucha, de mantenerse en el medio.

¿Seguramente de la mano del tema de la pobreza aparecerá la delincuencia?

Claro que sí, es decir el niño en los barrios suburbanos no tiene sino como amigo a un delincuente. A lo mejor si el chico llega con dinero a la casa, la madre no le dice de dónde traes esta plata, sino que nos sirve para comer. Entonces el chico sabe que él, como sea que haya conseguido el dinero, está aportando para que su familia coma.

¿Cuál es el objetivo de su novela?

Sacar mis experiencias, mis conocimientos de un barrio. Desde los 7 años he trabajado para ser un escritor, aquel que deja un retrato de su tiempo y de su espacio. Ojalá que mi libro perdure.

Arte y Oficios XlX Quito

Muchas de las representaciones artísticas quiteñas, nacieron de los oficios del siglo XlX.
Este vídeo nos explica mucho acerca de este tema.

 

VIDEO ARTE Y CULTURA QUITO

Quito exposición fotográfica

El "Cielo Abierto" de Quito

El trabajo de más de 20 fotógrafos, seleccionados en el marco de la Convocatoria Pública ‘Fotografía a Cielo Abierto’ (FACA-2012), está en exhibición en varias plazas y bulevares de Quito y permanecerá hasta el 15 de enero.

Este es un proyecto expositivo que, mediante una propuesta artística en el espacio público, ofrece al espectador en general material fotográfico y otras expresiones que propician la reflexión sobre la memoria histórica de la ciudad y las identidades.

Fuente: http://www.lahora.com.ec

Series fotográficas

Martín Jaramillo y Alejandro Reinoso trabajaron en la serie fotográfica enfocada en las vivencias y sensaciones de un grupo de bailarines profesionales durante el Segundo Congreso de Salsa en Ecuador, que se muestra en la Plaza Gabriela Mistral. '24 horas en la frontera’, de Fernando Sandoval, refleja el reto de varios periodistas y fotógrafos en la frontera norte y se exhibe en La Marín.

En la Plaza del Quinde, Mijail Vallejo presenta ‘Colegas’, una propuesta sobre los grandes cambios tecnológicos en cuanto a la fotografía. Sobre esta exhibición José Luis Paredes, uno de los pocos fotógrafos artesanales que queda en Quito, comenta: "Ahora todos pueden comprarse un celular con cámara o una ‘cajita de fósforos digital’ con mejores características que mi cámara, pero menos del 10% de la gente las sabe usar".

Eduardo Valenzuela Garzón le pone el arte del baile en la muestra ‘Danza latitud cero’, esto en el Bulevar de la Avenida Colón. Dentro de esta misma expresión dancística están las fotografías de la ‘Diablada’, realizadas por Alfredo Cárdenas, donde se observa paso a paso la fiesta tradicional de la Diablada de Píllaro. Dentro de lo alternativo esta ‘Escuela Drag’, de Juan Reyes, quien intentó involucrarse dentro de este nuevo arte.

En el Bulevar de Cotocollao se aprecia el ‘Golfo del olvido’, un proyecto que explora las condiciones de vida que existen en poblaciones del Golfo de Guayaquil que, a pesar de encontrarse en un espacio privilegiado por la riqueza de su ecosistema, viven en condiciones precarias.

Dentro de la Estación de la Río Coca se exponen dos propuestas: ‘Underporto’, del colectivo Disparate, y ‘JJ’, de Vicente Gaibor, quien dice que su trabajo “sirve para promover el valor social de la memoria y la nostalgia para un país que crece desde el afecto a sus héroes populares y así fortalecer el sentido de pertenencia e identidad nacional”.

En definitiva, son propuestas fotográficas que realzan la memoria histórica y el trabajo de actores sociales que pasan desapercibidos por la ciudadanía. Son más de 20 trabajos que se exhiben por toda la ciudad, que podrían ser admirados si nos tomamos un pequeño tiempo para visitar los espacios públicos de nuestro alrededor.

Propuestas

Plazas y bulevares

Plaza de San Diego: ‘Salasakas’.

Plaza Indoamérica: ‘Sutil permanencia’, ‘La vida ciudadana son millones de personas viviendo juntas en soledad’.

La Marín: ‘Escuela Drag’ y ‘24 horas en la frontera’.

Plaza San Francisco: ‘Diablada’, ‘Preludio’, ‘Mujeres de San Roque’.

Plaza Santa Clara: ‘Vida’, ‘El umbral del crecimiento’.

Estación de la Río Coca: ‘Underporto’, ‘JJ’.

Plaza del Quinde: ‘Colegas’.

Plaza Gabriela Mistral: ‘2do. Congreso de Salsa’.

Parque Julio Andrade: ‘Pueblo en fiesta’, ‘Lago Agrio’.

Bulevar de la J: ‘Metal en la Mitad del Mundo’.

Bulevar de la Av. Colón: ‘Danza Latitud Cero’.

Parque La Alameda: ‘Yasuní’, ‘Ecuador recóndito’.

Bulevar de Cotocollao: ‘El Golfo del olvido’.